Compagnies d'arts-vivants

Écrire pour la scène

1. Une musique pensée pour le plateau

Quand je compose ou que j'arrange de la musique pour du théâtre ou de la danse, je garde en tête que la musique va exister en direct, dans un espace partagé avec le public. Elle ne doit pas détourner l’attention, mais accompagner le mouvement, le texte, la lumière. Souvent, le rôle de la musique est changeant : elle peut être très présente à un moment, puis disparaître complètement, ou rester en fond pour soutenir une ambiance.

Ce que j’aime dans ces projets, c’est qu’on construit une forme en commun. La musique n’arrive pas après coup, elle se construit souvent en parallèle de la mise en scène ou de la chorégraphie.

2. S’adapter au langage de la compagnie

Chaque projet est différent. Certains spectacles demandent une musique très rythmée, qui structure des déplacements ou soutient une parole. D’autres ont besoin de textures plus lentes, presque invisibles, qui posent une atmosphère sans qu’on les remarque tout de suite.

Même si j'aime proposer dès le départ une structure musicale qui sert ensuite de base au travail sur scène, j’essaie d’être souple, de laisser les choses évoluer au fil des répétitions.

3. Présence live ou bande-son ?

Certains spectacles appellent une présence musicale en direct, d’autres fonctionnent avec une bande-son fixe. 

Ce qui compte pour moi, c’est de garder une cohérence : la musique ne doit pas paraître plaquée. Elle doit naître dans le même geste que le reste. Et quand elle est jouée en live, il faut qu’elle puisse s’ajuster aux variations naturelles du spectacle.

4. Travailler sur la durée

Je travaille souvent avec des compagnies sur plusieurs projets. Cela permet d’affiner une manière de travailler ensemble, de tester différentes formes, et d’aller plus loin dans les liens entre scène et musique.